JUSTIN'ART - galerie d'Art

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Anne-Laure Ponsin (Peinture) “Elle aime faire cohabiter dans son travail différents langages visuels sur une même surface ce qui est “industriel” et ce qui est plus naturel afin de voir comment ces langages fusionnent, s’imitent ou s’opposent. Elle aime jouer sur la répétition d’un motif ou d’un symbole, mixant peinture image digitale ou sérigraphiée. De la répétition naît un impact visuel; le motif est d’abord esthetique, simple décor que l’on trouve sur les papiers peints et les tissus, mais ce même motif répété peut aussi faire penser à la production de masse, à la médiatisation ou à la standardisation des objets. Le côté fluide et naturel de la peinture et l’emploi instinctif de la sérigraphie créent une dimension poétique et sensible, laissant parler le média et offrant au spectateur plusieurs niveaux de lecture de l’oeuvre. Le parcours d’Anne laure est remarquable, après avoir obtenu son DMA fresque et mosaique à l’ENSAAMA (paris) en 2002, elle part s’installer à Londres où elle obtiendra 4 ans plus tard un master en fine art. Elle étudie la mosaïque au Maroc, la décoration traditionnelle à Venise. Elle a participé à la réalisation d’une fresque collective à l’hôpital Pompidou. En 2004 elle est l’assistante du célèbre peintre Louis Cane. Le 28 novembre 2006 elle a été nominée par Katayoun Pasban Dowlatshahi. Elle est très prometteuse....	Anne-Laure Ponsin (Peinture) “Originally interested in screen-printing, patterns and pop imagery, she likes to mix in her work different and contrasted feelings, inspirations and media, always playing with a graphic and fashion related language. There is a childish/unserious look about her work. She creates handmade, at times “tacky”, crafty realisations mixed with second-hand objects or images, mixing the handmade and the mass-produced. Often creating repetitions and collections of those hybrid objects. She always wants her work to reflect a certain kind of playfulness, humour or theatricality. She prefers to create a sense unfinished, open-field or uncertainty.” She obtained a BA in Fresco and Mosaic Art in Paris in 2002, and a MA of Fine Art in London (ST Martins college of art and design) in 2006. On November 28, 2006, she was appraised by Katayoun Pasban Dowlatshahi. Since 2003, she exhibits her work in different galleries in London (Xhibit 06, Novas gallery...)
Annick Lesimple (Peinture) Annick Lesimple draws and paints since fifteen years old. Her first paintings are portraits of classic invoice worked in glacis. Artists as Basquiat, Barcelo, Rauchenberg, Rosenquist, Rouan, David Salle, Schnabel, Relieve, Alberola, Alechinski, Garouste...were for her a rich in influence in her education. The series of “Birds” evolved during a workshop, initiated to help children from lower economical means. " Mixed techniques " where very few colours are involved: black, white and gold. The concept of this series was influenced by the oriole, which sings yet we never see; a poem that could easily resonate from François Cheng. She arose from a frustration " the song far from the bird”, and we are far from the bird. A beautiful metaphor of the arts. There is a narrow relationship between creation and life. A work of art is good when it arises from necessity. "I ignore if my Birds are good, but they arose from a necessity, from a felt solitude, and we can say it is about a suffering."	Annick Lesimple (Peinture) Dessine et peint depuis une quinzaine d'années. Les premières toiles sont des portraits de facture classique travaillés aux glacis. Des artistes comme Basquiat, Barcelo, Rauchenberg, Rosenquist, Rouan, David Salle, Schnabel, Soulages, Alberola, Alechinski, Garouste et des dizaines d'autres...ont été pour elle riches d’enseignement. Les Birds partent du collage, initiés avec des enfants dans une économie de moyens dite "techniques mixtes" où très peu de couleurs sont mises en jeu : le noir, le blanc et l'or. La série "les Birds" part d'un loriot qui chante et qu'on ne voit jamais, un poème qu'on pourrait imaginer être de François Cheng, elle est née d'une frustration "le chant loin de son oiseau" et on est loin de l'oiseau. Belle métaphore de l'art. Il y a un rapport étroit entre la création et la vie. Une oeuvre d'art est bonne quand elle est née de la nécessité. “J'ignore si mes Birds sont bons, mais ils sont nés d'une nécessité, de la solitude ressentie, et même on peut le dire d'une souffrance.”
Annick Lesimple (Dessin) Dessine et peint depuis une quinzaine d'années. Les premières toiles sont des portraits de facture classique travaillés aux glacis. Des artistes comme Basquiat, Barcelo, Rauchenberg, Rosenquist, Rouan, David Salle, Schnabel, Soulages, Alberola, Alechinski, Garouste et des dizaines d'autres...ont été pour elle riches d’enseignement. Les Birds partent du collage, initiés avec des enfants dans une économie de moyens dite "techniques mixtes" où très peu de couleurs sont mises en jeu : le noir, le blanc et l'or. La série "les Birds" part d'un loriot qui chante et qu'on ne voit jamais, un poème qu'on pourrait imaginer être de François Cheng, elle est née d'une frustration "le chant loin de son oiseau" et on est loin de l'oiseau. Belle métaphore de l'art. Il y a un rapport étroit entre la création et la vie. Une oeuvre d'art est bonne quand elle est née de la nécessité. “J'ignore si mes Birds sont bons, mais ils sont nés d'une nécessité, de la solitude ressentie, et même on peut le dire d'une souffrance.”	Annick Lesimple (Dessin) Annick Lesimple draws and paints since fifteen years old. Her first paintings are portraits of classic invoice worked in glacis. Artists as Basquiat, Barcelo, Rauchenberg, Rosenquist, Rouan, David Salle, Schnabel, Relieve, Alberola, Alechinski, Garouste...were for her a rich in influence in her education. The series of “Birds” evolved during a workshop, initiated to help children from lower economical means. " Mixed techniques " where very few colours are involved: black, white and gold. The concept of this series was influenced by the oriole, which sings yet we never see; a poem that could easily resonate from François Cheng. She arose from a frustration " the song far from the bird”, and we are far from the bird. A beautiful metaphor of the arts. There is a narrow relationship between creation and life. A work of art is good when it arises from necessity. "I ignore if my Birds are good, but they arose from a necessity, from a felt solitude, and we can say it is about a suffering."
Antonio Greco (Peinture) Every blank canvas is a voyage to confront, a journey to carry out, alone. Even if in reality a painting has already been initiated long before the moment in which you go before the canvas, (in terms of realizing a series of acquired ideas), it is really in such a moment (which I want to define as “the last” and “the first”) that materializes the silence from which everything must come out of. In this initial aspect, painting and literature are similar. In both cases you are alone in front of a blank space to fill. In both cases you must have something to say and you must do it in the most honest way possible. All of the ideas that you have assimilated in a certain direction must be harmonized to fill that emptiness. You do not have in front of you the mathematics of music, nor the three-dimensionality of sculpture, nor the technical limits of architecture. You are free; everything depends on you. In the ‘80’s I left painting almost completely to dedicate myself to the narrative. I liked the minimalist idea to be able to work simply with a piece of paper and a pen. I wrote and published three short stories; other stories were published in weekly magazines. Painting and design remained, in those years, a marginal practice, much like a dialogue with myself. It came to be my principal activity in the ‘90’s when I opened a studio as a graphic designer, illustrator and set designer. It was then that I once again found the pleasure to work listening to the music that I could no longer hear while writing. Of all art forms, literature is without a doubt that which brings you closer to solitude. This solitude, in our society, has been stripped of all its’ value: it has become a humiliating condition, an enemy to fight. We have modified the meaning of this concept, so absolute and precious, which is essential to every intellectual advance. Even in silence, where solitude is so near, we are frightened because this silence forces us to think. I chose Agharti as the title of the exhibition because it does not only represent the mythical underground society, but also the stream of the occultists (la fiume occulta), the knowledge, the introspective journey. I chose Agharti because our society distances itself more and more from that point of silence. In the end, I chose Agharti because it is a myth: Myths are to be kept alive and the work of the artist is really that which mystifies reality.	Antonio Greco (Peinture) LONTANO DA AGHARTI – LOIN D’AGHARTA “Chaque toile vierge est un voyage au cours duquel je me retrouve seul face à moi-même. Même si une peinture a déjà longuement muri et n’est que l’aboutissement d’une succession d'idées acquises, arrive malgré tout ce moment qui matérialise le silence, cette page blanche devant laquelle tout doit sortir . Dans cet aspect initial, la peinture et la littérature ont ce point commun. Dans les deux cas on se retrouve seul face à un espace vierge que nous devons remplir. Dans les deux cas nous devons avoir quelque chose à dire et nous devons le faire de la façon la plus honnête possible. Toutes les idées que nous avons assimilées dans une certaine direction doivent être harmonisées pour remplir ce vide. Ce ne sont ni des mathématiques, ni des notes de musique, ni les trois dimensions de sculpture, ni les limites techniques de l’architecture.que nous avons devant nous, nous sommes tout simplement libres, tout va dépendre de nous. Dans les années 80, j'ai abandonné la peinture pour me consacrer au récit. J'aime l'idée minimaliste d'être capable de travailler simplement avec une feuille et un stylo. J'ai écrit et publié trois histoires courtes mais aussi des nouvelles pour différents hebdomadaires. La peinture et le design ont été pendant cette période, une pratique marginale, et ressemblait plus à un monologue Elle est devenue mon activité principale dans les années 90, lorsque j’ai ouvert un atelier de graphiste, illustrateur et designer. J’ai alors retrouvé le plaisir de travailler en écoutant de la musique, ce que je ne faisais plus en écrivant. De toutes les formes d'art, la littérature est sans aucun doute celle qui nous rapproche le plus de la solitude. Cette solitude qui a perdu toute sa valeur en étant considérée par notre société comme une condition humiliante, un ennemi à combattre., alors que le silence est si absolu, si précieux et surtout essentiel pour chaque avancée intellectuelle. Le silence proche de la solitude nous terrifie parcequ’il nous oblige à penser. J'ai choisi Agharta comme le titre de l'exposition parce qu'il représente non seulement les dessous d’une société mysthique, mais aussi le courant des occultes, la connaissance et le voyage introspectif. J'ai choisi Agharta parce que notre société prend de plus en plus de distance avec le silence. Enfin, j'ai choisi Agharta parce que c'est un mythe : les mythes doivent continuer d’exister et le rôle de l'artiste est de mystifier la réalité.”